《生きる喜び(Le Bonheur de vivre)》(1905〜06年)は、アンリ・マティスが手がけた大画面の油彩画で、米国フィラデルフィアのバーンズ財団(バーンズ・コレクション)が所蔵しています。裸体の人物たちが歌い、踊り、まどろむ架空の楽園を、現実離れした鮮烈な色彩で描いたこの作品は、フォーヴィスム(野獣派)の到達点であると同時に、20世紀絵画の方向を決定づけた記念碑として位置づけられています。
基本情報
作者はアンリ・マティス(1869〜1954)、制作は1905年から1906年にかけて。技法は油彩・カンヴァスで、サイズは約176.5×240.7cm、マティスの当時の作品としては破格の大画面です。1906年春のアンデパンダン展に出品され、現在はバーンズ財団に所蔵されています。主題は特定の物語ではなく、牧歌的な「黄金時代」「アルカディア(理想郷)」の伝統に連なる楽園図です。
制作背景｜フォーヴィスムの熱狂のなかで
1905年秋のサロン・ドートンヌで、マティスと仲間たちの荒々しい色彩は「野獣(フォーヴ)」と揶揄され、大きなスキャンダルを巻き起こしました。《生きる喜び》はその直後の冬に取り組まれた作品です。前年夏に滞在した南仏コリウールでの風景研究をもとに、多数の習作を経て、アトリエで周到に組み上げられました。
即興的に見える画面は、実際には人物のポーズや配置を一つずつ検討した末の構築物です。西洋美術の伝統(牧歌図、ルネサンス以来の理想的裸体、アングルの《黄金時代》など)を下敷きにしながら、それを非再現的な色彩と単純化された線へと大胆に翻訳した点に、この絵の革新性があります。
見どころ｜色彩の解放と線の音楽
画面を支配するのは、黄、橙、桃色、緑といった、自然の再現から完全に切り離された色面です。木々の幹は青や赤に塗られ、地面は黄色く発光し、人物の肌は場所ごとに色を変えます。色彩はもはや対象の説明ではなく、それ自体が感情と快楽を運ぶ主役となっています。
同時に注目すべきは、うねるような輪郭線です。横たわる裸婦の背中から腰へ流れる線、絡み合う恋人たち、画面を縁取るように湾曲する樹木。これらの線は解剖学的な正確さを捨て、画面全体をひとつの装飾的なリズムへと編み上げています。中景で輪になって踊る人物群は、のちの代表作《ダンス》(1909〜10年)へ直接つながるモチーフとして特に有名です。
賛否の渦と「ライバル」への衝撃
1906年のアンデパンダン展で、本作は再び激しい反発を招きました。新印象主義の指導者ポール・シニャックは、前年までマティスを高く評価していたにもかかわらず、点描の規律を捨てたこの作品に強い拒否反応を示したと伝えられます。一方、前衛芸術の擁護者であったスタイン家(レオとガートルード)は本作を購入し、彼らのサロンで多くの芸術家の目に触れることになりました。
そのなかには若きパブロ・ピカソがいました。《生きる喜び》の衝撃がピカソを対抗心へと駆り立て、翌1907年の《アヴィニョンの娘たち》を生む一因になったという見方は、20世紀美術史の定番の語りとなっています。楽園的な官能のマティスと、破壊的な緊張のピカソ。二人の生涯にわたる競争関係の出発点に、この絵は立っています。
バーンズ財団への収蔵
本作はその後、1920年代に米国の収集家アルバート・バーンズの手に渡りました。バーンズは後にマティス本人へ大壁画《ダンス》を注文するほどの支援者となり、《生きる喜び》は現在も財団の館内に展示されています。長らく門外不出に近い状態だったため「知られているのに見られない名画」としても語られてきました。なお、当時使用された一部の顔料(特に黄色系)が退色しやすく、現在の画面は制作当初より色調が変化していることが科学調査で指摘されています。
評価と影響
《生きる喜び》は、色彩を再現の義務から解放し、絵画を「見たものの記録」から「感覚と構想の構築」へと転換させた画期として評価されています。マティス自身が晩年まで追求し続ける「均衡と純粋さと平静の芸術」という理想の、最初の全面的な表明でもありました。フォーヴィスムの短い季節はまもなく終わりますが、この一枚が開いた色彩の自由は、表現主義から抽象絵画にいたる20世紀美術全体の土壌となっていきます。
まとめ
《生きる喜び》は、西洋絵画の古い夢である「楽園」を、まったく新しい色彩の言語で描き直した作品です。スキャンダルと擁護、シニャックの拒絶とピカソの対抗心。この絵をめぐる同時代の激しい反応そのものが、絵画の歴史がここで曲がり角を迎えたことの証言となっています。
